En pocas palabras. Javier J. Jaspe
Washington
D.C.
La serie que continuamos hoy ha sido inspirada por un importante libro del renombrado autor mexicano, Carlos Fuentes, fallecido en 2012, considerado por muchos como una obra capital para el conocimiento de la historia y cultura latinoamericanas. Me refiero a El espejo enterrado, con el cual Fuentes aporta su luminosa y aleccionadora visión de los primeros 500 años transcurridos desde el descubrimiento de América por Cristobal Colón en 1492. Esta obra fue publicada en su primera edición en México en 1998 y la que utilizamos corresponde a la décimacuarta reimpresión (Taurus bolsillo), junio 2005, 590 páginas.
El
objetivo de la serie no es realizar un análisis de este libro, sino el de
aportar breves textos adicionales encontrados en Internet, sobre temas y
personajes mencionados en el mismo, en las páginas que se indican entre
paréntesis al lado de cada tema o personaje. Otros temas y personajes podrán
agregarse, caso en el cual se mencionará al lado: (jjj). Los textos de Internet
se transcriben en itálicas, en español o inglés, según sea el caso, con indicación
de su fuente. Este centésimo cuadragésimo noveno artículo se refiere a temas y
personajes que van desde Wifredo Lam (1902-1982) hasta Jacobo Borges (nació
1931). Veamos:
Wifredo Lam
(527) – :
“….Wifredo
Lam nació el 8 de diciembre de 1902 en Sagua la Grande, Cuba. Fue un pintor
vanguardista de fama internacional, conocido como el iniciador de una pintura
mestizada que alía modernismo occidental y símbolos africanos o caribeños.
En 1916 se instala en La
Habana donde se inscribe en la Escuela Profesional de Pintura y Escultura,
Academia de San Alejandro, donde estudia hasta 1923. Es durante este periodo,
marcado por exposiciones en el Salón de Bellas Artes, que afirma su vocación de
pintor. En 1923, recibe una beca de la municipalidad de Sagua la Grande con el
fin de estudiar en Europa. En este mismo año, se va a España con apenas 21
años.
Una vez en Madrid, entra en
contacto con las ideas y los movimientos del arte moderno. Estudia a los
grandes maestros de la pintura española, Velázquez, Goya, etc.
En 1936, se une a las fuerzas
republicanas en su lucha contra Franco. Dibuja carteles antifascistas y se
encarga de la dirección de una fabrica de municiones. La violencia de los
combates inspira su gran tela titulada La Guerra Civil.
Hacia 1938 se muda a París,
donde conoce a Pierre Loeb, propietario de la Galería Pierre, donde hára su primera exposición individual en
1939.
Poco antes de la llegada de
los alemanes, Lam trabaja y realiza particularmente una serie de dibujos a la
tinta, anunciadores de las figuras híbridas que el artista desarrollará
plenamente durante su estancia cubana de los años 1941 a 1947.
De regreso a su país natal, Lam profundiza sus investigaciones, vinculándolas
con el mundo de su infancia y de su juventud. Lam firma su estilo con el
enriquecimiento de la cultura afrocubana, y pintará más de una centena de
telas, entre ellas La Jungla, haciendo
del año 1942, el más productivo de este periodo. Realiza varias exposiciones en
los Estados Unidos, en el Institute
of Modern Art de
Boston, en el MoMA de
nueva York y en la Galería Pierre
Matisse, donde La Jungla es
presentada por primera vez y hace escándalo.
A partir de 1947, el estilo
de Lam evoluciona. La influencia del arte de Oceanía se combina a la del arte
africano y la presencia de elementos esotéricos se hace más dominante. Su
trabajo logra una amplitud internacional, con publicaciones en revistas
prestigiosas tales como VVV,
Instead, ArtNews y View,
así como en exposiciones por América y Europa.
Durante los años cincuenta,
se le concede el gran premio del Salón
de La Habana, es nombrado miembro de la Graham Foundation for Advancec Study in Fine Art en Chicago
y recibe varias distinciones como el premio Guggenheim International Award ya en 1964…..
(https://catalogo.artium.eus/dossieres/artistas/wilfredo-lam/bibliografia).....Durante los años
sesenta, la obra de Lam refleja un interés creciente por el grabado.
Colaborando con poetas y escritores, realiza varios portafolios de grandes
formatos, impresos y publicaciones en los talleres de grabado de Broder,
Mathieu y Upiglio. Su encuentro con este último maestro grabador en el taller
Grafica Uno en Milano, inicia un periodo de intensa creatividad que se
extenderá hasta su muerte. En 1972, muestra su obra de manera individual en la
Bienal de Venecia.Fallece en París el 11 de Septiembre de 1982…..
(https://www.grabadosylitografias.com/wifredo-lam-biografia.html)....
En “Wifredo Lam y su obra vista a
través de significados críticos”, el antropólogo cubano Fernando Ortiz analiza
la obra del pintor cubano Wifredo Lam a través del prisma de su biografía y
ascendencia cultural. Ortiz describe el estilo pictórico de Lam como una
combinación original de abstracción y surrealismo. Según declara Ortiz, el
abundante empleo de Lam del simbolismo se puede establecer en la influencia de
su padre, de origen chino, y a la tradición del simbolismo en los caracteres
del idioma oriental. Por otra parte, Ortiz resta importancia a las teorías que
afirmaban que Lam, cuya madre era afrocubana, incluía alusiones directas al
vudú, la santería o los cimarrones (esclavos fugados) en su obra. Sin embargo,
ponía énfasis en que en el trabajo de Lam sí que aparecían muestras de cierta
influencia afrocubana que lo distinguía de los pintores modernistas como
Picasso, cuya obra incorporó referencias a la cultura africana sin ninguna
conexión directa con ella. Ortiz explica que las influencias africanas en la
obra de Lam se hallan en el simbolismo, el primitivismo y la religiosidad, y
analiza también la presencia en sus pinturas de formas eróticas, de elementos
del cuerpo femenino y de la flora y fauna local. Finalmente, Ortiz comenta en
su análisis el misterioso vínculo entre la religión y la magia en los trabajos
de Lam…..”
(https://icaa.mfah.org/s/es/item/1125591#?c=&m=&s=&cv=&xywh=-558%2C0%2C1965%2C1099, por Fernando
Ortiz).
También
puede verse:
(https://www.mchampetier.com/biografia-Wifredo-Lam.html);
(https://www.wifredolam.net/es/biografia.html, por Jean-Louis
Poudrat, traducción Peggy Bonnet Vergara);
(https://espeakspanish.com/2020/08/19/lets-talk-spanish-59-wifredo-lam-transcript/);
(https://www.esmeralda.edu.mx/wilfredo-lam);
(https://www.youtube.com/watch?v=VqWaAx5cXdA&t=2s, Museo Nacional
Centro de Arte Reina Sofía);
(https://www.biografiasyvidas.com/biografia/l/lam.htm, por Fernández,
Tomás y Tamaro, Elena);
(https://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/3116/Wifredo%20Lam).
Alberto Gironella (527, 528) – “….Alberto Gironella uno de los máximos exponents de la Ruptura… La Ruptura fue una generación artística que fue bautizada así en 1988 por presentar obras que precisamente, rompían con la tradición muralista que hasta esos días continuaba de alguna manera reglamentando el mundo del arte mexicano, específicamente, la pintura moderna que había nacido en los pinceles de los muralistas….Alberto Gironella nació en el otrora Distrito Federal el primer día de septiembre del año 1929. Abandonó sus estudios en letras españolas para dedicarse a las artes plásticas, no sin antes haber fundado con Luis Rius y Arturo Souto la revista Clavileño y después la revista Segrel, ambas literarias…..
Su paso por la literatura no hizo más que influenciar
su obra plástica, Gómez de la Serna y Ramón María del Valle Inclán serían
sus grandes influencias; la filosofía de Nietzsche y Pedro Páramo de Rulfo
aparecen en su obra, fue amigo de Octavio Paz y Alejandro Jodorowsky,
es decir, aunque dejó la facultad de la UNAM, la literatura siempre estuvo
presente en su vida…..
La obra de
Gironella tiene una fecha formal de inicio, 1952, cuando pintó su primer cuadro
inspirado en la obra La condesa de Uta y además tuvo su primera
exposición como parte del gran grupo de jóvenes que mostraban las
nuevas propuestas del arte de sus días bajo un discurso que deseaba alejarse
del tan político muralismo.
Los temas que
más se muestran en la obra de Alberto Gironella son la muerte, la
putrefacción de la materia y el transcurrir del tiempo; podemos
ver en su obra imágenes con fuerte carga simbólica que nos llevan de lo
terrorífico y desgarrador, al humor y la ironía de la existencia a través
de personajes deformados que la remiten tanto a la vida como a la
muerte; muchos de sus primeros personajes se inspiraron en Tiburcio
Esquirla, el protagonista de su novela sin publicar…..
Tomando como
directriz de su obra los estados de la mente, ya desde los años cincuenta
presentaba una obra libre, alejada de sus antecesores, más cercana
a las tendencias contemporáneas, como el informalismo. Más adelante su
obra tomó objetos para crear también dimensiones alternas a su obra
irónica y humorística.
Gironella
realizó homenajes a muchos de sus amigos y personalidades del arte, utilizó
latas de alimentos, botellas, etiquetas de licor y cajas de
madera; fotografías, obras de otros autores y frases unidos por medio de trazos
desordenados donde la presencia del arte plástico y la literatura fueron su eje
constante…..
La obra de
Alberto Gironella fue reconocida en el libro Le
surrealisme et la peinture del poeta fundador del
surrealismo, André Bretón a quien conoció en París junto a
Breton, Joyce Mansour, Fernando Arrabal y Pierre Alechinsky; también realizó la
escenografía para La Ópera del Orden, de Alejandro
Jodorovsky y produjo una serie de litografías para el libro de
Carlos Fuentes “Terra Nostra.
Japón, París,
Brasil, Argentina, Italia, Madrid, Nueva York, Belgrado, son algunas de las
muchas ciudades que conocen de cerca la obra del escritor y pintor que dio a
conocer La Ruptura al mundo que lo vio descansar para siempre el 2
de agosto de 1999, sus restos descansan en una pared de adobe en el
jardín de su casa de Valle de Bravo….
Sus
obras más destacadas son Reina Mariana, Entierro
de Zapata y Metamorfosis de una
reina I, II, III; por éstas y el resto de su
obra en 1960 recibió el premio de la Bienal de Pintura Joven en París, obtuvo
la beca Guggenheim en 1968 y recibió el Primer Premio en la VI Bienal de Sao
Paulo y la Beca de la Fundación Cultural Televisa….
(https://mxcity.mx/2021/10/alberto-gironella-uno-de-los-maximos-exponentes-de-la-ruptura/).....
Corpulento
y apasionado, capaz de defender sus ideas con contundencia y también con hábil
saber, amante incondicional del arte y la literatura, Alberto Gironella mantuvo
una estrecha relación con España, donde expuso en varias ocasiones y donde
encontró muchos de los grandes motivos y estímulos para su trabajo. Los toros,
Cervantes, el barroco español y Goya se cuelan en gran parte de su obra, donde
también están presentes el pasado intenso de su país, la riqueza de sus
culturas y una visión crítica de la realidad heredada, según él, del caudillo
revolucionario Emiliano Zapata. Todo ello expresado con un vocabulario plástico
plagado de metáforas sugerentes e imaginativas. Nacido en México en 1929, de
madre yucateca y padre catalán -un republicano exiliado en México-, Gironella
perteneció a la generación de artistas que durante los años cincuenta y sesenta
tuvieron que librarse de la pesada y grandilocuente herencia del muralismo de
Siqueiros, Orozco y Rivera…..”
(https://elpais.com/diario/1999/08/04/cultura/933717603_850215.html).
También puede verse:
(https://www.museocjv.com/albertogironellabiografia.htm);
(https://www.youtube.com/watch?v=RVNLbOKM910, Esteban García Brosseau, tvmacay);
(https://letraslibres.com/revista-mexico/alberto-gironella/, José de la Colina);
(https://icaa.mfah.org/s/es/item/785788#?c=&m=&s=&cv=&xywh=-1116%2C0%2C3930%2C2199, por Octavio Paz);
(https://lsgaleria.com/pages/biografia-alberto-gironella);
(https://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/50/Alberto%20Gironella);
Fernando Botero
(528) –
“….Cuando nos
situamos frente a un cuadro, en cualquier museo, sala de exposiciones o en
otros lugares, a veces, sólo a veces, identificamos el estilo del pintor y
podemos asegurar la autoría de la obra. Pocos artistas han llegado a conseguir
un estilo propio, personal e inconfundible: todos pensamos en Van Gogh, en
Modigliani o en Picasso, por ejemplo. Uno de estos artistas, de renombre
internacional e inconfundible estilo es el protagonista de nuestra
historia: Fernando Botero, probablemente
uno de los colombianos más conocidos en todo el mundo junto a su compatriota
Gabriel Gª Márquez, posee un estilo muy particular en sus obras denominado por
algunos como Boterismo.
Fernando Botero
nació en 1932 en Medellín, Colombia, donde a partir de los seis años realizó
estudios de primaria y luego de bachillerato. En 1944 recibió clases
de toreo a instancias de un tío del pequeño Fernando en La Macarena, el coso taurino medellinense. Tras un
“susto” con un astado, dejó el toreo y encaminó por fin sus energías
hacia el mundo que más le interesaba desde niño: la pintura. En este periodo
pintó una acuarela de un torero, probablemente su ópera prima.
En 1948 expuso
sus obras por primera vez en su ciudad natal. Durante esta época de su vida
hacía ilustraciones para El Colombiano, un diario de Medellín, y con
sus ingresos iba costeándose los estudios, pero fue expulsado del
Colegio Bolivariana porque consideraron que sus dibujos eran obscenos y ello le
obligó a terminar sus estudios de secundaria en el Liceo de la Universidad de
Antioquía.
En 1951 Botero
se mudó a Bogotá, donde entró en contacto con algunos intelectuales colombianos
destacados. En el IX salón nacional de artistas llegó a ganar el segundo premio
con su obra “Frente al mar”. Aprovechando el dinero recibido por este premio y
tras la venta de algunas de sus obras viajó a Europa, concretamente a
España, matriculándose en la Academia de Arte de San Fernando en Madrid.
Durante este periodo estudiantil el joven Botero, para ayudar a su mantenimiento económico,
pintaba, dibujaba y vendía sus obras en los alrededores del Museo del Prado.
Junto a su amigo
Ricardo Irragorri viajó a Florencia en el 53, donde estudió en la Academia de
San Marcos, empapándose del renacimiento italiano del que le interesaron sobre
todo, Piero della Francesca y Tiziano. Tras su estancia italiana volvió a
Colombia y en 1955 realizó una exposición en Bogotá que tuvo poco éxito porque
en esa época el ambiente artístico colombiano estaba bajo
el influjo de la vanguardia gala. Un año más tarde se casó por
primera vez y viajó con su esposa a México y EE.UU. allí empezó a jugar con el
volumen de los cuerpos en sus pinturas (una de sus características más
especiales y evidentes). En 1957 cosechó un gran éxito con su primera exposición
en Nueva York.
Como si este
éxito hubiese actuado de revulsivo, en el 58 fue nombrado profesor de Bellas Artes en la Universidad Nacional de Colombia y
volvió a ganar el 2º premio del Salón de Artistas Colombianos. A partir de este
momento empezó un periplo que lo lleva de vuelta a Washington, donde
vendió todas sus obras el día de la inauguración de su exposición, regresó a
Nueva York para instalarse, y logró vender “La Mona Lisa a los doce años” al
MOMA, lo que implicaba estabilidad económica y prestigio.
A partir del 75
empezó a trabajar la escultura y el colombiano Museo de Antioquía le dedicó una
sala. Sus exposiciones se producían por todo el mundo y el éxito
le sonreía. En el 1983, por fin, se traslada con su tercera esposa a
Pietrasanta, en Italia, una localidad conocida por sus empresas de fundición,
que le resultan imprescindibles al Botero escultor. Sus grandes obras se han
podido ver en las principales avenidas y plazas del mundo dándole, además de
reconocimiento artístico, una gran popularidad.
En los últimos
años Botero ha tocado en sus
obras, sobre todo pictóricas, los temas candentes de la realidad política y
social de su Colombia natal y del
mundo, como muestra de lo cual se cuentan las 78 pinturas de la serie “Abu
Gharib”, en las que denuncia los abusos que se produjeron en la
prisión del mismo nombre, en Iraq, durante el reciente conflicto bélico…..
…En el año 2000
Fernando Botero donó al Banco de la República una colección de arte de 208
obras, 123 de su propia autoría y 85 de renombrados artistas internacionales de
los siglos XIX y XX. Con esta colección se fundó el Museo Botero, ubicado en el
barrio La Candelaria, centro histórico de Bogotá, en una casona colonial que
funcionó hasta 1955 como Arzobispado de la ciudad, y que fue restaurada y
adecuada como museo por el Banco de la República, bajo los preceptos y la
curaduría del propio maestro Botero y con el apoyo de Ana María Escallón. Desde
el 1° de noviembre del 2000, la donación ha estado gratuitamente a disposición
del público. El artista durante el acto inaugural del Museo Botero, expresó:
“Para mí es un placer infinito saber que
estas obras pertenecen hoy a Colombia; saber que los estudiantes que ingresen a
esta casa, entrarán en contacto con las corrientes artísticas más importantes
de nuestro tiempo, contemplando aquí permanentemente, obras originales de
grandes maestros; saber que los amantes de la pintura y la escultura puedan
venir a visitar este remanso de paz y pasearse tranquilamente por estas salas,
dejándose inundar por la estética moderna”….
(https://enciclopedia.banrepcultural.org/index.php/Fernando_Botero).
También puede verse:
(https://mymodernmet.com/es/fernando-botero/, por Regina Sienra);
(https://myhero.com/Fernando_Botero_espanol, por Claudia Herrera Hudson);
(https://www.culturagenial.com/es/fernando-botero-obras/, por Andrea Imaginario);
(https://www.youtube.com/watch?v=GMXdEVG4eCo, Aula 365 – Los Creadores);
(https://www.biografiasyvidas.com/biografia/b/botero.htm, por Fernández, Tomás y
Tamaro, Elena);
(https://www.britannica.com/biography/Fernando-Botero);
(https://www.biography.com/artist/fernando-botero);
(https://www.theartstory.org/artist/botero-fernando/life-and-legacy/).
Jacobo Borges
(528) –
“….Jacobo Borges nació en Caracas, el 28 de noviembre de 1931. Cuenta que
en su infancia estudió por un breve período en la Escuela de Artes Plásticas y
Aplicadas, donde tuvo entre sus profesores a Alejandro Otero. Quizás ahí
comenzó su enamoramiento por las artes plásticas. En el taller de Carlos
Cruz-Diez trabajó como litógrafo y dibujante, entre otros oficios. Asistió al
Taller Libre de Arte, en el que conoció al pintor Armando Reverón, estuvo en
contacto con el poeta Aquiles Nazoa y compartió con el escritor cubano Alejo
Carpentier.
En 1952 recibió el primer premio en el Concurso
de Pintura Joven promovido por el diario El Nacional, la MGM y la Embajada de
Francia en Venezuela, que consistía en una beca de estudios por diez meses en
París. Ahí permaneció por varios años, desempeñando todo tipo de trabajos,
hasta que logró exponer en el Salón de la Joven Pintura en el Museo de Arte
Moderno de París. De regreso a Venezuela, en 1956, trabajó intensamente en el
Museo de Bellas Artes, año también en el que representó al país en la Bienal de
Venecia y en la Bienal de Sao Paulo, donde recibió una Mención Honorífica.
Se podría decir que en
Borges la verdadera sustancia del arte es el tiempo. “Después de luchar con el
espacio que casi se puede tocar, retoma la materia que lo envuelve en su obra,
y trata de agarrar el tiempo por la cola, doblarlo y entonces pegarlo al
espacio. Así el principio está en todas las partes”, afirma Roberto Guevara.
A principio de los
sesenta, Jacobo Borges colaboró con los grupos intelectuales Tabla Redonda y El
Techo de la Ballena. En esa época experimentó con regularidad la creación de
escenografías para obras de teatro: Soga
de Niebla de César Rengifo; El día de Antero Albán de Arturo Uslar Pietri; Hernani de Victor Hugo; Esperando al zurdo de Clifford
Odets; Noche de Reyes de
León Felipe, y Calígula de
Albert Camus.
Fue seleccionado por
Thomas Messer en 1964 para formar parte de la exposición La década emergente de pintores
latinoamericanos y pinturas en los años sesenta en The Solomon R.
Guggenheim Museum de Nueva York. A partir de ese año, decidió abandonar la
pintura por un tiempo y dedicarse al estudio y experimentación de nuevos medios
de comunicación visual: cine, video, fotografía, performance e instalación,
entre otros.
Para Donald Kuspit
Jacobo Borges pinta figuras, pero también pinta el espacio. “Y es cada vez más
un pintor del espacio que de las figuras. Un lugar peculiar que los
psicoanalistas llaman espacio potencial. Las figuras son sus tropas y sugieren
elegantemente su carácter incompleto. Forman una red de relaciones
ambivalentes, una mascarada de comunidad íntima que funciona cubiertamente como
metáfora de su fluidez. A medida que su arte ha madurado, las figuras de Borges
se han hecho menos y menos fantásticas en sí mismas, sin llegar a ser
exactamente normales: se han integrado a su espacio-sueño, se han convertido en
su contenido manifiesto”.
Borges ideó el
espectáculo multimedia Imagen de
Caracas, que se realizó en 1967 para celebrar los 400 años de la
fundación de la capital. La presentación se realizó en un inmenso lugar
construido con tubos de andamios, dentro del cual el público caminaba e
interactuaba con las imágenes proyectadas y objetos que se movían.
Dirigió la
película 22 de mayo y
formó parte del movimiento Cine Urgente, que impulsaba el uso de la cámara de
cine como medio de comunicación y de socialización.
Fue en 1970 que
decidió volver a la pintura sin abandonar sus búsquedas con otros medios
visuales. En 1972 participa en exposiciones en el continente y durante los
próximos años se preocupará por integrar murales, fotomontajes, audiovisuales y
textos con sus cuadros. Es en 1976 que el Museo de Arte Moderno de México
realiza una exposición retrospectiva de su obra: Magia de un Realismo Crítico. Esta muestra se exhibe
posteriormente en el Museo de Bellas Artes de Caracas, y luego participa en la
propuesta Arte hoy en América
Latina en el Instituto Hispánico de Madrid. Su obra, junto con la
de Max Ernst, René Magritte y Robert Rauschenberg, es incluida en el calendario
de 1979 de la editorial alemana Du Mont.
“De Borges enfatizo su
receptividad hacia el mundo, a fin de contrarrestar la tendencia a considerarlo
algo así como un fabulista onírico o un típico realista mágico
latinoamericano”, señala Dore Ashton. “Aún en sus pinturas más extravagantes y
fantásticas, siempre hay una parte de auténtica experiencia que no debe
ignorarse. Un motivo colmado de historia simbólica y disponible, en demasía, a
vuelos discursivos, tal como el motivo del agua porque estuvo a punto de
ahogarse más de una vez. Ya comenzado ese proceso, no existían límites a las
asociaciones que podía nutrirse a partir de su cultura personal”.
Jacobo Borges recibe
en 1985 la beca de la John Simon Guggenheim Memorial Foundation y pasa un año
en Nueva York, donde trabaja intensamente. Ahí comenzaría una relación con la
ciudad estadounidense de la cual no ha podido despegarse. Su vida transcurre
entre Caracas y la Gran Manzana.
En 1988 sus obras
forman parte de la exposición Fifty
Years of Collecting: an Anniversary Selection. Paintings from Modern
Masters en el Guggenheim Museum de Nueva York. También se
posicionan en la muestra itinerante The
Latin American Spirit: Art and Artist in the United States, 1920-1970, organizada por el Bronx
Museum of Arts, Nueva York. Ese mismo año es invitado a la exposición de
las Olympiad of Arts, que
se realizó durante los Juegos Olímpicos de Seúl, en Corea. También fue el
artista que representó a Venezuela en la XLIII Bienal de Venecia.
Para 1995 se inaugura
el museo que lleva su nombre en Catia, el vecindario donde creció. El Museo
Jacobo Borges es concebido como un eco-museo donde se impone un criterio
antropológico de la cultura. Desde este año y hasta 2006 es profesor invitado
en la Internationale Sommerakademie fur Bildende Kunst, Academia Internacional
de Artes Plásticas en Salzburgo, Austria. Allí expone Es ist die Seele ein Frendes auf Erden…
(Es el alma cosa extraña sobre la
tierra…), que luego viajará a Caracas a los espacios de la Galería
Freites.
En 2000, desde su
taller y residencia en las montañas al sur de Caracas, diseña y siembra un
bosque–jardín de bambúes y otras especies tropicales. Desde allí idea un
conjunto de obras con el tema de la naturaleza, titulada Aproximación al paraíso perdido, que mostró
en la Galería Freites.
Borges exhibe ese
mismo año El Bosque en
el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas Sofía Imber, en el Museo de Arte
Contemporáneo del Zulia, en la Galerie Adriana Schmidt, Colonia, Alemania, y en
el Instituto de Cultura Hispánica en Madrid, España. A partir de este año hasta
el 2005, trabaja en dos series: Sueños,
pinturas al óleo que trazan una épica del mundo femenino y Los falsos Rembrandts de Jacobo Borges, un proyecto de
instalación sobre un coleccionista de obras de Rembrandt.
En 2005 comienza el
proyecto Sala con ventana al mar,
que representa una de sus series más ambiciosas. Pinturas que nos muestran una
ventana abierta al mar por donde pasan objetos, personas, fotografías, entre
muchas otras cosas. Un viaje por el presente, pasado y futuro, una reflexión
sobre la pintura y, a su vez, una suerte de memoria pictórica personal. Al
mismo tiempo continúa su investigación con la fotografía digital que desarrolla
en gran formato.
«Esos paisajes han
vivido siempre en miniatura, escondidos de mí. ¿Y cómo pudieron hacer eso?
¡Fácil! Se disfrazaban. Algunas veces detrás del espejo se transparentaban o
simplemente desaparecían debajo de gruesas capas de pintura. Se convertían en
fantasmas sin que nadie supiera que eran fantasmas, ni siquiera tenían
existencia (…) Me convertí en arqueólogo y los desenterré viajando hacia el
este y luego hacia el norte, como un marinero loco (…) Así fue que aprendí a
mirar de nuevo lo que siempre estuvo conmigo, con ustedes, con nosotros…”,
afirma el maestro caraqueño….”
También
puede verse:
(http://eeipcolegiojacoboborges.blogspot.com/2016/10/biografia-de-jacobo-borges.html);
(https://icaa.mfah.org/s/es/item/1060655#?c=&m=&s=&cv=&xywh=-920%2C0%2C3538%2C2199, por Adolfo
Wilson);
(https://icaa.mfah.org/s/es/item/1063795#?c=&m=&s=&cv=&xywh=-1379%2C0%2C5307%2C3299, por Taracena,
Berta)
(http://vereda.ula.ve/wiki_artevenezolano/index.php/Borges,_Jacobo);
(https://www.oferart.com/artista.php?idart=71);
(https://www.raquelbalice.com/es/jacobo-borges-es/dibujo-st-02-detail);
(https://www.epdlp.com/pintor.php?id=3290);
Apéndice
4 mil millones de dólares anuales en remesas (521) –
Migración y el desarrollo
Remesas
“….Por remesas se entiende normalmente las transferencias financieras o en especie hechas por los migrantes a sus amigos y parientes de las comunidades de origen. Sin embargo, la definición estadística de las remesas internacionales refleja esta idea parcialmente.
El Fondo Monetario Internacional, el principal proveedor de estadísticas
sobre las remesas internacionales, que se basa en los datos de los bancos
centrales, define las remesas como la suma de dos componentes en su Manual de Balanza de Pagos y Posición
de Inversión Internacional:
1)
La “remuneración de empleados”,
que se refiere al ingreso percibido por los trabajadores migrantes temporales en el país de destino,
y por los trabajadores empleados en embajadas, organizaciones internacionales y
empresas extranjeras (es decir, “el ingreso de trabajadores fronterizos, de
temporada y otros empleados temporales que están empleados en una economía de
la cual no son residentes, y de residentes empleados por entidades no
residentes” (FMI, 2009: 293). Es importante destacar que esta
definición incluye la totalidad del ingreso de los trabajadores migrantes temporales, aunque ese ingreso posiblemente nunca
se transfiera (por lo menos, no en su totalidad) al país de origen, ya que los
migrantes tienen que sufragar sus propios gastos. Además, los sueldos del
personal contratado por empleadores extranjeros (como las embajadas o las
empresas transnacionales) también cuentan como remesas, ya que estos
funcionarios públicos, diplomáticos, militares y otros empleados son
considerados residentes en el país de origen (FMI, 2009), aun cuando, en su
mayoría, no sean realmente migrantes ni trasfieran ese dinero a ningún otro
país.
2)
Las “transferencias personales”,
que son todas las transferencias en efectivo y en especie efectuadas o
recibidas por los residentes (ya sea migrantes o no) en beneficio o de parte de
personas de otros países (“todas las transferencias corrientes entre personas
residentes y no residentes” (FMI, 2009: 294).
También
cuentan como remesas los envíos efectuados dentro de un país, no solo los
envíos al extranjero. Esas se llaman remesas internas. Además, no todas las
remesas consisten en dinero o artículos. Las remesas sociales se definen como
“las ideas, los comportamientos, las identidades y el capital social que fluyen
desde las comunidades del país receptor hacia las del país de origen” (Levitt,
1998: 927). Las remesas sociales comprenden ideas innovadoras, redes
transnacionales valiosas, conocimientos, valores políticos, reformas de
política y nuevas competencias tecnológicas….”.
Un nuevo récord para las
remesas en América Latina y el Caribe, por Jeremy Harris
EN: https://blogs.iadb.org/migracion/es/un-nuevo-record-para-las-remesas-en-america-latina-y-el-caribe/
“…..Una de las grandes sorpresas que nos dio la pandemia de COVID-19 fue el crecimiento de las remesas que los migrantes enviaron y todavía envían a sus países de origen. A pesar de la crisis las remesas hacia América Latina y el Caribe no solo se mantuvieron, sino que aumentaron a niveles históricos. Los últimos datos que consolidamos desde el Banco Interamericano de Desarrollo muestran que el envío de remesas hacia América y el Caribe marcó un récord en 2021, alcanzando un total de 128 mil millones de dólares, su crecimiento más alto en casi 20 años…..
La recuperación del empleo en los países de
residencia de los migrantes, especialmente el empleo de tiempo completo en
Estados Unidos, y la continuidad de algunos apoyos económicos gubernamentales,
marcaron durante 2021 una mejora en sus ingresos. Esto permitió durante estos
últimos meses de 2021 incrementar el envío de sus remesas para paliar los
efectos que subsisten de la pandemia entre sus familiares en los países de
origen.
En nuestro análisis previo,
observamos que hasta el tercer trimestre de 2021 las remesas recibidas en la
región mantuvieron la tendencia creciente iniciada en la segunda mitad del
2020, y los datos del último trimestre lo reafirmaron. El envío de
remesas hacia América Latina y el Caribe cerró el año con una tasa de
crecimiento anual de 26.1%, confirmando nuestras estimaciones previas y
alcanzando un nivel que es un poco más del triple de lo observado en 2020…”.
También puede verse:
(https://www.gob.mx/cms/uploads/attachment/file/95777/CUADERNOSYVIDEOS-REMESAS.pdf);
(https://www.cemla.org/foroderemesas/index.html);
(https://www.france24.com/es/programas/econom%C3%ADa/20211118-america-latina-remesas-medio-oriente);
(https://news.un.org/es/story/2021/11/1500172);
(http://www.conapo.gob.mx/work/models/CONAPO/migracion_internacional/migint_desarrollo/11.pdf, por Manuel Orozco);
(https://www.elfinanciero.com.mx/economia/2021/07/06/las-remesas-salvaron-las-economias-de-latinoamerica/, por Natali Faxas);
(http://www.scielo.org.mx/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1870-75992008000200001, por Alejandro I. Canales Cerón).
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