Thursday, February 27, 2020

Temas y personajes (28) en “El espejo enterrado” de Carlos Fuentes: Desde Alberto Durero hasta André Breton, por Javier J. Jaspe


En pocas palabras. Javier J. Jaspe
Washington D.C.  

La serie que continuamos hoy ha sido inspirada por un importante libro del renombrado autor mexicano, Carlos Fuentes, fallecido en 2012, considerado por muchos como una obra capital para el conocimiento de la historia y cultura latinoamericanas. Me refiero a El espejo enterrado, con el cual Fuentes aporta su luminosa y aleccionadora visión de los primeros 500 años transcurridos desde el  descubrimiento de América por Cristobal Colón en 1492. Esta obra fue publicada en su primera edición en México en 1998 y la que utilizamos corresponde a la décimacuarta reimpresión (Taurus bolsillo), junio 2005, 590 páginas.

El objetivo de la serie no es realizar un análisis de este libro, sino el de aportar breves textos adicionales encontrados en Intenet, sobre temas y personajes mencionados en el mismo, en las páginas que se indican entre paréntesis al lado de cada tema o personaje. Otros temas y personajes podrán agregarse, caso en el cual se mencionará al lado: (jjj). Los textos de Internet se transcriben en itálicas, en español o inglés, según sea el caso, con indicación de su fuente. Este vigésimo octavo artículo se refiere a temas y personajes que van desde Alberto Durero (1471 – 1528) hasta André Breton (1896 – 1966). Veamos:

Durero (147) – “…Es considerado como el artista más famoso del Renacimiento alemán y, a su vez, es recordado por sus grandes pinturas, grabados, dibujos y libros sobre el arte. Si no sabes de quién se trata, debes conocer la biografía de Alberto Durero, quien tuvo una gran influencia en esta industria y en sus colegas durante el siglo XVI. Albrecht Dürer, conocido en castellano como Alberto Durero, nació un 21 de mayo de 1471 en la ciudad alemana de Núremberg.Su padre era un emigrante húngaro que decidió colocarle el mismo nombre que él mismo llevaba. Su interés por el arte se empezó a manifestar desde muy temprana edad. A los 15 años de edad ingresó al taller de Wolgemut, en donde se le encargó hacer numerosas xilografías. El talento de Alberto Durero hizo que se trasladara a otros lugares en búsqueda de trabajo. En ese período realizó diversas ilustraciones para algunos libros como Das Narrenschiff…..Alberto Durero contrajo nupcias con Agnes Frey en su pueblo natal. Después de su boda, decidió irse a Italia para probar suerte con su trabajo. En ese lugar, mostró su gran habilidad en la acuarela y el paisajismo. A su regreso a Alemania, Alberto Durero realizó un gran número de grabados que lo ayudaron a obtener un poco de fama. Entre ellos se encuentran: Gran Fortuna, Baño de Hombres, Apocalipsis, entre muchos otros…..De vuelta a la ciudad que lo vio nacer, el artista creó otras obras importantes como el retablo para la Iglesia de los Dominicos de Fráncfort del Meno, las tablas de Adán y Eva, la tabla de la Adoración de la Trinidad y numerosos retratos…..Alberto Durero regresó a su urbe natal, en donde murió el 6 de abril de 1528. Durante su vida, Alberto Durero gozó de una buena posición económica, por lo que sólo se enfocó en realizar los proyectos más ambiciosos….Pintores afamados como Goya y Zurbrán tuvieron presente la influencia de Durero en sus obras…Durante su vida, Alberto Durero publicó varios libros, siendo los más importantes: Los Cuatros Libros de la Medida, en donde habla de las construcciones geométricas y los Cuatro Libros de la Proporción Humana, en donde enseña a dibujar personas. En los Cuatro Libros de la Proporción Humana, el artista muestra cinco tipos de figuras masculinas y femeninas, para enseñar cómo se deben plasmar en el papel, lienzo o cualquier otra superficie. Alberto Durero también hizo un ensayo sobre la estética, en donde dio a conocer su teoría sobre lo que denominó como la belleza ideal….”
(https://biografiadee.com/biografia-alberto-durero/). También puede verse:  (https://www.biografiasyvidas.com/biografia/d/durero.htm);  (https://www.todocuadros.es/pintores-famosos/durero/);  (https://www.quien.net/alberto-durero.php); (https://historia-biografia.com/alberto-durero/);  (https://www.arteespana.com/albertodurero.htm); (https://www.todocuadros.com/pintores-famosos/durero/); (https://historia-arte.com/artistas/alberto-durero).

Prometeo (142, 150, 465, 466) – “Cuenta la mitologíagriega que Prometeo, osado Titán al que gustaba provocar la ira de Zeus, llevó a éste a tal punto de cólera que terminó por quitar el fuego a los hombres. Esperaba así castigar indirectamente a Prometeo, el cual se consideraba benefactor de la humanidad. Pero Prometeo, al que gustaba presumir de astuto, entró sigilosamente en elOlimpo, robó tan preciado tesoro del carro del dios Sol y, sin perder tiempo alguno, lo devolvió a los desamparados mortales. Historia de Prometeo - Zeus, convencido de que debía castigar tanta burla, mandó llamar a Hefesto y le ordenó que creara una mujer hecha de arcilla. Una vez que estuvo terminada, le dió vida y la envió con Hermes, dios de los viajeros, ante Epimeteo, hermano de Prometeo. Esta mujer, llamada Pandora, y llevaba con ella una caja llena de terribles males que jamás debía de ser abierta. Prometeo intentó en vano que su hermano se alejara de cualquier cosa que proviniera de los dioses, pero Epimeteo se había enamorado perdidamente y quiso desposarla. Pandora, que había sido creada con virtudes y también con grandes defectos, abrió la caja prohibida y los males se extendieron por el mundo. Ya Zeus había conseguido vengarse de los hombres. En cuanto a Prometeo, lo mandó Zeus capturar para ser encadenado por Hefesto, dios del fuego y de los metales forjados, a un alta montaña donde, cada jornada, un águilahambrienta le devoraría el hígado. Como era inmortal, el órgano le crecía de nuevo, así que cada noche volvía tan cruel depredador a comérselo, con lo cual el sufrimiento era inimaginable y eterno. He aquí que Heracles, que pasaba por allí rumbo al Jardín de las Hespérides, lo liberó derribando al águila con una poderosa flecha. Esta vez a Zeus le pudo más el orgullo por la hazaña de su hijo Heracles que el rencor que anidaba en su pecho, así que no persiguió más a Prometeo. Eso sí, le obligó a llevar, durante toda la eternidad, un anillo en el que se erigía un trozo de la roca a la que tan terriblemente estuvo encadenado.” (https://sobreleyendas.com/2007/11/27/el-mito-de-prometeo/, por Carmen Márquez). También puede verse: (https://redhistoria.com/mitologia-griega-el-mito-de-prometeo/, por Marcelo Ferrando Castro);  (https://redhistoria.com/mito-de-prometeo/, por María Santiago); (https://www.mitologia.info/prometeo/);  (https://mitologia.guru/dioses-mitologicos/prometeo/); (https://pisandocables.com/el-mito-de-prometeo/); ( http://arquehistoria.com/mitologia-griega-el-mito-de-prometeo-2085).

Pintores cubistas (145) – “Se conoce con el nombre de cubismo a un movimiento artístico del siglo XX que irrumpió en la escena artística europea en 1907, marcando un fuerte distanciamiento respecto a la pintura tradicional y sentando un precedente vital para el surgimiento de las vanguardias artísticas. Su estilo característico explora una nueva perspectiva geométrica de la realidad, mirando los objetos desde todos los puntos de vista posibles, lo cual fue una ruptura con modelos pictóricos vigentes desde el Renacimiento. El término “cubismo” no obstante no fue propuesto por los propios pintores, sino por el crítico Louis Vauxcelles, el mismo que en su momento puso nombre al fauvismo, quien luego de acudir a una exposición de Georges Braque (francés, 1882-1963) afirmó que sus obras “reducían el paisaje y el cuerpo humano a insípidos cubos”, y procedió entonces a hablar del cubismo. Al respecto afirmaría luego el pintor español Pablo Picasso, considerado máximo exponente del movimiento, que “Cuando hacíamos cubismo, no teníamos ninguna intención de hacer cubismo, sino únicamente de expresar lo que teníamos dentro”….. A pesar de lo que su nombre pueda sugerir, el cubismo no consiste en pintar a través de cubos. Por el contrario, el cubismo reconoce y abraza la naturaleza bidimensional del lienzo y renuncia a la tridimensionalidad, tratando más bien de representar en sus pinturas todos los puntos de vista posibles de un objeto, de manera simultánea. Al hacerlo, revolucionaba los preceptos vigentes en la pintura desde la antigüedad, razón por la cual se considera al cubismo como la primera de las vanguardias artísticas. Las pinturas cubistas, así, carecen de profundidad, ofrecen múltiples puntos de vista (en lugar de uno único), y suprimen la mayoría de los detalles de los objetos que representan, a menudo reduciéndolos a un mismo rasgo: los violines, por ejemplo, se reconocen únicamente por sus colas. Al mismo tiempo, el género de pinturas del cubismo no podría ser más convencional: bodegones, paisajes, retratos. Pero a diferencia del impresionismo y del fauvismo, se los pinta con colores apagados: grises, verdes y marrones, sobre todo en su primera época…….El máximo exponente del cubismo fue el español Pablo Picasso (1881-1973), a quien se le asume como fundador de la estética y primer cultor de su estilo. Sin embargo, otros artistas reconocidos por su obra cubista fueron los franceses Georges Braque (1882-1963), Jean Metzinger (1883-1956), Albert Gleizes (1881-1953) y Robert Delanay (1885-1945), y los españoles Juan Gris (1887-1927) y María Blanchard (1881-1932)…..Algunos de los cuadros más representativos del cubismo son: Guernica (1937) de Pablo Picasso. Las señoritas de Avignon (1907) de Pablo Picasso. Violín y paleta (1909) de Georges Braque. La botella de anís (1914) de Juan Gris. Mujer leyendo en la playa (1937) de Pablo Picasso…..” (https://concepto.de/cubismo/). También puede verse: (https://definicion.de/cubismo/); (https://culturacolectiva.com/arte/mas-alla-de-picasso-10-pintores-cubistas); (https://profeenhistoria.com/cubismo/); (https://www.unprofesor.com/ciencias-sociales/artistas-del-cubismo-los-mas-importantes-2197.html); (https://www.arteespana.com/cubismo.htm); (https://mott.pe/noticias/6-principales-autores-y-obras-del-cubismo/); (https://www.todocuadros.com/estilos-arte/cubismo/); (https://www.caracteristicas.co/cubismo/).


Henry Moore (146) – “Henry Spencer Moore fue un escultor abstracto inglés que produjo unas características esculturas en bronce y mármol que se pueden ver hoy a lo largo y ancho del mundo. Es pues una de las figuras más importantes de la escultura moderna y una de las más populares dentro del arte público. Moore nació en una familia minera de Castleford (Yorkshire del Oeste). Henry fue el séptimo de ocho hijos y con once años ya tenía clara su vocación tras oír hablar de Miguel Ángel. Moore primero siguió estilo romántico típico de la época victoriana, pero posteriormente fue desarrollando un estilo propio, que se asemejan a abstracciones de la figura humana formadas por espacios vacíos y formas onduladas. Algunos afirman que están inspiradas en los paisajes de Yorkshire, su lugar de origen. Henry Moore realizaba varios bocetos y dibujos antes de crear cada escultura. Fueron importantísimos para su proceso de creación y suponen obras de arte en sí mismos. Incluso cuando empezó a padecer artritis, continuó dibujando. Tras la Segunda Guerra Mundial las esculturas de Moore se volvieron cada vez más grandes, que podemos calificar de arquitectura escultórica. Sus principales influencias fueron las estatuas toltecas y mayas (que había visto en el Louvre y lo introdujeron en la abstracción), varios artistas renacentistas y góticos, pintores primitivos como Giotto y por supuesto Miguel Ángel, su gran ídolo. Moore le daba a sus esculturas títulos bastante sencillos, sin sombra de pedantería o prepotencia (Wall Relief no. 1, Reclining Figure, Family Group, The Archer…)….”.

Charles Baudelaire (147) – “Biografía de Charles Baudelaire. Poeta francés, Charles Baudelaire fue uno de los más grandes autores franceses del siglo XIX y está considerado como una de las figuras claves del simbolismo, así como ejemplo del malditismo y la bohemia. Tras la muerte de su padre, su madre contrajo nuevas nupcias con un militar y la educación de Baudelaire se hizo rígida y puritana, algo a lo que el joven autor siempre se resistió. Tras estudiar en varios centros con numerosos problemas de disciplina, Baudelaire comienza estudios de derecho en París, donde se une a tertulias y grupos literarios. Es en esta época en la que Baudelaire se inicia en el mundo de las drogas, el alcohol y el sexo, provocando numerosos altercados con su familia hasta que accede a entrar en el cuerpo diplomático, algo que, finalmente, decide no hacer continuando con sus costumbres licenciosas. Baudelaire trabaja cercano al mundo del arte como crítico, siendo muy bien considerado, al mismo tiempo que se gana la vida como traductor de autores como E.T.A. Hoffmann y Edgar Allan Poe, una de sus mayores influencias.
Es la publicación de su obra más conocida, Las flores del mal (1857) el momento en que es acusado en diversos foros de inmoralidad y su fama comienza a extenderse. Pese a las críticas y censuras, Baudelaire ampliaría Las flores del mal y verían la luz otras de sus grandes obras, como Los paraísos artificiales. En 1864 abandona París cansado de la presión ejercida desde los sectores más rígidos de la sociedad y se establece en Bruselas, donde apenas gana suficiente como para vivir. Su salud empeora, afectado de sífilis sufre varios ataques que minan su capacidad para el habla. Muerto en 1867, Baudelaire sería aclamado por generaciones posteriores como uno de los más grandes autores de poesía de todos los tiempos, autor en el que se conjuga el romanticismo con el simbolismo de una manera única, incomprendida en su época, algo que le hizo ganarse, junto con su actitud frente a la vida, el sobrenombre de poeta maldito. De entre su obra, además de los grandes títulos ya mencionados, habría que destacar algunas como Spleen de París o Los despojos. La obra crítica de Baudelaire, como Curiosidades estéticas o El arte romántico, también es de gran importancia para los estudiosos del siglo XIX.” (http://www.lecturalia.com/autor/3116/charles-baudelaire). También puede verse: (https://historia-biografia.com/charles-baudelaire/);); (https://www.capitalmexico.com.mx/mundo/por-que-se-le-conoce-a-charles-baudelaire-como-el-poeta-maldito/); (http://www.rfi.fr/es/cultura/20170830-baudelaire-el-poeta-de-la-modernidad,ñ por María Carolina Piña);  (https://www.zendalibros.com/los-mejores-poemas-charles-baudelaire/); (https://www.eluniversal.com.mx/cultura/los-cinco-poemas-mas-representativos-de-charles-baudelaire); (https://poemas.yavendras.com/charles-baudelaire/); (https://culturacolectiva.com/letras/poemas-de-charles-baudelaire-que-debes-leer-para-evitar-que-tu-corazon-se-marchite).

Pablo Neruda (148, 307, 530) – “Pablo Neruda fue un reconocido poeta y diplomático chileno, ganador del Premio Nobel de Literatura en 1971. Su obra poética está considerada como una de las más influyentes del siglo XX. A temprana edad, y antes de vivenciar un sinfín de experiencias, Pablo Neruda ya había escrito una de sus obras poéticas más importantes y leídas, titulada Veinte poemas de amor y una canción desesperada (1924). La vida de Neruda transcurrió bajo una apretada agenda de viajes y compromisos diplomáticos, el activismo político, el amor, el exilio, el regreso a su tierra y una precandidatura presidencial. Pablo Neruda dejó plasmado en sus miles de versos todas aquellas experiencias que marcaron su vida, carácter, sensibilidad y compromiso político y cultural, de allí que sus poemas lo catapultaron como uno de los poetas más importantes de la literatura hispanoamericana….. Pablo Neruda renunció a su cargo como embajador en Francia, por problemas de salud, en el mes de febrero del año 1973. Posteriormente, el 11 de septiembre de ese mismo año, ocurre un golpe militar en Chile, fallece el presidente Salvador Allende y quedó al mando del país Augusto Pinochet. El día 19, Neruda se trasladó a urgencias porque su estado de salud se agravó debido al cáncer de próstata que padecía. Días más tarde, el 23 de septiembre en horas de la noche falleció en la Clínica Santa María de Santiago. Tras su fallecimiento Neruda fue velado en su casa “La Chascona”, en Santiago, y sus restos fueron enterrados en el Cementerio General de la ciudad. Sus actos fúnebres han sido considerados como los primeros actos de resistencia ante el instaurado gobierno militar de Pinochet. La noticia de su fallecimiento pronto se hizo saber por todo el mundo, incluso, muchos de sus amigos, hasta representantes del Partido Comunista, asistieron al funeral. Lamentablemente, varias de sus propiedades fueron destruidas después de su muerte. Asimismo, después de la muerte de Pablo Neruda han sido publicadas diversas obras del poeta, de las cuales varias habían sido editadas en Buenos Aires tiempo antes de su fallecimiento. Neruda ha pasado a la historia de la literatura hispanoamericana como uno de los poetas más importantes de la historia. Sin embargo, tiempo después de su fallecimiento hubo dudas de la causa de muerte, por lo que su cuerpo fue exhumado para corroborar que murió a consecuencia de la enfermedad que padecía y no por un acto criminal. Entre sus obras póstumas se pueden mencionar El mar y las campanas (1974), El corazón amarillo (1974), Jardín de invierno (1974), Confieso que he vivido, (1974), esta última es una autobiografía del autor, entre otras. Entre las principales obras de Pablo Neruda se pueden mencionar las siguientes: Crepusculario, (1923). Veinte poemas de amor y una canción desesperada, (1924). Tentativa del hombre infinito, (1926). Residencia en la Tierra, (1925-1931). España en el corazón. Himno a las glorias del pueblo en la guerra, (1936-1937). Tercera residencia, (1935-1945). Canto general, (1950). Los versos del capitán, (1952). Las uvas y el viento, (1954). Odas elementales, (1954). Estravagario, (1958). Cien sonetos de amor, (1959). Navegaciones y regresos, (1959). Cantos ceremoniales, (1961). Memorial de Isla Negra, (1964). Discurso de Estocolmo, (1972).” https://www.todamateria.com/pablo-neruda/, por Adriana Morales). También puede verse:  (http://www.memoriachilena.gob.cl/602/w3-article-96373.html); (https://www.t13.cl/noticia/tendencias/cultura/por-hoy-es-dia-clave-historia-pablo-neruda);  (https://www.lavanguardia.com/hemeroteca/20111021/54232695987/pablo-neruda-nobel-de-literatura.html);  (https://elnacional.com.do/nace-pablo-neruda-poeta-chileno-y-premio-nobel-de-literatura/);  https://thestudio.uiowa.edu/iowa-literaria/?p=227, por Oscar Hahn).

André Breton (146) – “André Breton nació el 18 de febrero de 1896 en Tinchebray, Orne (Francia). Estudió en el Colegio Chaptal, en donde comenzó a interesarse por la literatura. Después de concluir sus estudios secundarios acudió a la universidad para instruirse en medicina y psiquiatría. Durante la Primera Guerra Mundial trabajó en diversos hospitales psiquiátricos, convirtiéndose en un entusiasta de las teorías de Sigmund Freud. Es el creador del movimiento surrealista e impulsor de diferentes vanguardias artísticas, proclamando sus postulados y pensamientos en diferentes obras literarias y en revistas como “Litterature”, “VVV” o “Le Surrealisme Meme”. Sus experimentos con el automatismo psíquico como vía de exposición artística fueron desarrollados en posiciones teóricas en su conocido “Manifiesto del Surrealismo” (1924). Además de este texto, sus títulos más importantes son “Los Campos Magnéticos” (1920), “Los Pasos Perdidos” (1924), “Nadja” (1928), “La Inmaculada Concepción” (1930), libro escrito en colaboración con Paul Eluard,  “El Amor Loco” (1937) o “Antología Del Humor Negro” (1940), colección de textos de 45 escritores, entre ellos Jonathan Swift, Edgar Allan Poe o Charles Fourier. En cuanto a su vida sentimental, Breton se casó en el año 1921 con Simone Kahn. Su segunda esposa fue Jacqueline Lamba, con quien contrajo matrimonio en 1934 y con quien tuvo en 1935 a su hija Aube; y la tercera Elisa Claro, con quien se casó en el año 1945. André murió en París el 22 de septiembre de 1966. Tenía 70 años. Está enterrado en el cementerio de Batignolles de París. (https://www.alohacriticon.com/literatura/escritores/andre-breton/)..... Características del surrealismo: -Lo principal es el libre pensamiento y la expresión del subconsciente. -Evita los patrones establecidos por el orden y la moral de principios del siglo XX, cuando surgió este movimiento. -Busca hacer frente al racionalismo y materialismo. -Tiene gran influencia de las teorías psicoanalíticas de Freud respecto a impulsar la creatividad de los humanos con base en el subconsciente y los sueños. -Propone que hay una realidad superior a la realidad impuesta por la sociedad, más allá de los límites de la imaginación y la tradición lógica. -Le da valor a la fantasía, a la reacción automática y a los impulsos artísticos que plasman “lo que viene a la mente”. -Lo abstracto era primordial en las expresiones artísticas que se consideraran surrealistas, basados en que lo que hay en la mente no siempre guarda una relación con el mundo que vemos llanamente…..”

Apéndice

Las figuras de Jaina (148) –

“En Washington, célebres figuras mayas”

Jueves, 19 de Julio de 2012


EXHIBEN EN WASHINGTON CÉLEBRES FIGURAS MAYAS DE JAINA

“*** Hina/Jaina, el portal al inframundo se presenta en el Instituto Cultural de México en Washington, EU, e incluye las figurillas que acompañaban a los muertos en su “paso al más allá”

*** La isla de Jaina, ubicada en la costa norte de Campeche, fue construida artificialmente por los mayas prehispánicos a modo de centro ceremonial

La isla de Jaina, ubicada en la costa norte de Campeche, fue construida artificialmente por los mayas prehispánicos a modo de centro ceremonial; ahí se han hallado gran cantidad de entierros de infantes con ofrendas, compuestas por varios objetos, entre los que destacan las célebres figuras de arcilla que se elaboraban para acompañar a los difuntos en su “camino al más allá”, y que son piezas estelares de una exposición que se presenta actualmente en el Instituto Cultural de México en Washington DC, en Estados Unidos. Con el título Hina/Jaina, el portal al inframundo, dicha muestra organizada por el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH-Conaculta), exhibe 58 piezas arqueológicas, 42 de las cuales se presentan al público por primera vez, y proceden de la Bodega de Bienes Culturales del Centro INAH-Campeche. El resto pertenecen a los museos de Arqueología Maya de Hecelchakán y Fuerte de San Miguel, de esa entidad.
Presentada a petición de la Embajada de México en EU, con el fin de difundir la grandeza y el esplendor de la civilización maya, la exposición ofrece un panorama de la riqueza arqueológica de Jaina —localizada a 40 km al norte de la ciudad de Campeche—, que tiene la particularidad de haber sido construida artificialmente; mide mil metros de largo por 800 de ancho, aproximadamente. El centro ceremonial de Jaina o Hina tuvo su auge entre los años 600-700 d.C., en el periodo Clásico Tardío; a partir de investigaciones arqueológicas, ahí se han encontrado gran cantidad de entierros humanos con ricas ofrendas, compuestas por vasijas, herramientas líticas y las singulares figurillas, además de restos de estelas grabadas con inscripciones jeroglíficas, y de vestigios de edificios estilo Puuc (serrano).
El coordinador de la curaduría de la muestra, el antropólogo Marco Antonio Carvajal Correa, detalló que además de explicar la función de la zona arqueológica y el significado de las figurillas que formaban parte de las ofrendas funerarias, la exposición también refiere al entorno del sitio, en particular de los manglares, árboles que los antiguos mayas vinculaban con el inframundo. El director de Museos del INAH en Campeche explicó que la exposición se divide en siete módulos; comienza con El enigma de Hina/Jaina, que detalla su ubicación geográfica y las características de dicho asentamiento prehispánico, conformado hace 1,400 años. Durante más de cinco siglos la isla artificial cumplió con su función de centro ceremonial y funerario.  El segundo apartado, titulado Costumbres funerarias mayas, aborda el sentido de los numerosos enterramientos humanos que se sucedieron al paso de los siglos, así como sus respectivas ofrendas, en las que destacan las figuras de arcilla con representaciones antropomorfas y zoomorfas, algunas asociadas a la música, pues han sido identificadas como flautas, silbatos o sonajas. “Algunas de ellas, de excepcionales cualidades estéticas, retratan a individuos de manera realista en sus actividades cotidianas; otras son representaciones de dioses o gobernantes, y algunas más semejan flores de tallo largo de donde emerge un personaje al que se le identifica con el Dios del Maíz. En la exposición se detalla el significado iconográfico de estas figuras para los mayas”, señaló el antropólogo del INAH. Mencionó que estas figurillas han sido estudiadas por la investigadora de la UNAM, Francisca Zalaquett, quien las ha investigado desde el punto de vista musical, y su función como instrumento para “llamar a las almas de los familiares difuntos” en los días en los que se les rendía culto. “Hay toda una tradición religiosa en ese sentido, lo que acrecienta la idea que se tiene de Jaina como una isla muy enigmática”. Mitos y cosmogonía de la creación a través del maíz, es el tercer núcleo temático en el que se explica la forma en que los campesinos mayas almacenaban el maíz. “Las mazorcas eran depositadas en una especie de cama conformada por capas de mazorcas y de cal viva colocadas sucesivamente; este sistema les permitía conservar el grano hasta por tres años”. La siguiente sección, Características constructivas de la isla Hina, detalla cómo fue realizada esta obra de ingeniería y cuál era su función. “Los habitantes de Jaina acarrearon gran cantidad de toneladas de sascab (piedra caliza molida), mediante canoas y cayucos que recorrieron canales abiertos entre los manglares, para construir la isla y tener un lugar de enterramiento sagrado, y donde se han encontrado hasta cinco niveles de entierros en menos de dos metros de profundidad”.
Costumbres funerarias en Hina es otro segmento de la muestra que alude a los enterramientos y su relación con el inframundo, donde el manglar adquiere un significado metafórico. “En la cosmovisión maya, todo lo que se sumerge tiene relación con el inframundo, por lo que el manglar, durante las temporadas en las que permanece bajo el agua, es parte de ese ámbito, aunque también se le confiere un sentido de renacimiento, pues todo lo que está enterrado volverá a florecer”. Artefactos varios recuperados en la isla y Nuevas hipótesis sobre la función de Jaina, son las dos últimas secciones en que se divide la muestra y en las que se explica el origen del nombre de la isla, “al parecer fue producto de un error ortográfico, porque su nombre antiguo es Hina, palabra que hace referencia al lugar que los campesinos mayas construían en sus patios para almacenar el maíz”. Asimismo, el antropólogo Marco Antonio Carvajal comentó que la exposición busca también dar a conocer al público los nuevos planteamientos sobre la isla de Jaina, derivados de investigaciones más recientes. “Se ha escrito mucho sobre este asentamiento prehispánico, pero una gran parte es producto de estudios hechos décadas atrás; actualmente, a partir de estudios actuales, se empieza a dudar de las aseveraciones que se hacían, como el considerarla una ciudad de pescadores, cuando no hay vestigios de viviendas. Ahora lo que se plantea es que era un centro ceremonial”.
La muestra, abierta desde mayo pasado en la capital estadunidense, continuará en exhibición hasta el 15 de septiembre en el Instituto Cultural de México en Washington. En la parte curatorial también colaboraron los investigadores Armando Anaya y Lorena William Beck, de la Universidad de Campeche, así como Stanislaw Iwaniszewski, profesor de la Escuela Nacional de Antropología e Historia.” También puede verse:
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El precario sistema de pensiones latinoamericano obliga a trabajar después de los 65 años

 EN:  https://www.lapatilla.com/2024/04/27/el-precario-sistema-de-pensiones-latinoamericano-obliga-a-trabajar-despues-de-los-65-anos/