Temas y personajes (57) en “El espejo enterrado” de Carlos Fuentes: Desde William Hogarth hasta Fiódor Dostoyevski, por Javier J. Jaspe

 En pocas palabras. Javier J. Jaspe

Washington D.C.   

La serie que continuamos hoy ha sido inspirada por un importante libro del renombrado autor mexicano, Carlos Fuentes, fallecido en 2012, considerado por muchos como una obra capital para el conocimiento de la historia y cultura latinoamericanas. Me refiero a El espejo enterrado, con el cual Fuentes aporta su luminosa y aleccionadora visión de los primeros 500 años transcurridos desde el  descubrimiento de América por Cristobal Colón en 1492. Esta obra fue publicada en su primera edición en México en 1998 y la que utilizamos corresponde a la décimacuarta reimpresión (Taurus bolsillo), junio 2005, 590 páginas.

El objetivo de la serie no es realizar un análisis de este libro, sino el de aportar breves textos adicionales encontrados en Intenet, sobre temas y personajes mencionados en el mismo, en las páginas que se indican entre paréntesis al lado de cada tema o personaje. Otros temas y personajes podrán agregarse, caso en el cual se mencionará al lado: (jjj). Los textos de Internet se transcriben en itálicas, en español o inglés, según sea el caso, con indicación de su fuente. Este quincuagesimo séptimo artículo se refiere a temas y personajes que van desde  William Hogarth (1697 - 1764) hasta Fiódor Dostoyevski (1821 – 1881). Veamos:

Hogarth (257) – “..…William Hogarth nació el 10 de noviembre de 1697 en Londres y murió el 26 de octubre de 1764. Fue un artista británico, ilustrador y pintor satírico. Es considerado pionero de las historietas occidentales. Su obra varía desde el excelente retrato realista a una serie de pinturas de estilo de los cómics llamadas “costumbres morales modernas”. Mucha de su obra, que llega a veces a ser despiadada, se burla de las costumbres y la política contemporáneos. Es el gran maestro de la sátira social y política, en contacto directo con la literatura contemporánea de Henry Fielding. Es también considerado uno de los padres de la escuela artística británica, tras varios siglos de predominio de artistas extranjeros en el país. Es hijo de un pobre maestro de escuela y autor de libros de texto, William Hogarth nació en el barrio de Londres de Bartholomew Close…..Después de unos primeros años como grabador y diseñador de segunda categoría, Hogarth decidió dar el salto a la categoría de pintor, pero no le fue fácil. En aquella época los grandes encargos artísticos de Londres estaban acaparados por artistas extranjeros, dentro de un estilo rococó y ampuloso que Hogarth consideraba artificial. Los reyes y la nobleza ingleses subestimaban los artistas nacionales y preferían convocar a los más cotizados del continente, lo que explica que desde el siglo XVI los artistas ingleses fueran eclipsados por autores extranjeros como Hans Holbein el Joven, Rubens, Van Dyck, Sebastiano Ricci y Canaletto. Hogarth criticaba el gusto inglés por la mitología y los retratos pomposos, pero la falta de encargos le obligó a flaquear en sus convicciones. Abordó temas históricos de la antigüedad, pero no alcanzó resultados convincentes. Su alejamiento como artista de renombre se puede situar en la década del 1730, cuando se volcó en sus temas satíricos. Lector de Jonathan Swift, criticaba la hipocresía de las clases altas. Su viaje a París en 1744 le hace conocer el rococó francés, lo que le influye en sus conversation pieces y en el tratamiento de los vestidos y las telas en sus cuadros…… (http://www.gelonchviladegut.com/es/autor/william-hogarth/)..... será a partir de 1732 cuando inicie las obras que le han dado fama, los ciclos de “temas morales modernos”, series de cuadros narrando una historia -como si de escenas de teatro se tratara- en los que se pretende ilustrar la fragilidad humana. Hogarth creará un arte narrativo totalmente novedoso, inspirado en la literatura satírica de su tiempo -Pope, Defoe, Swift-, con el que critica las injusticias y desigualdades de la sociedad británica del siglo XVIII. ‘La carrera del libertino’, ‘La carrera de una prostituta’ o ‘El matrimonio a la moda’ son algunas de estas series con las que el pintor pretendió conseguir éxito y dinero. La fama sí llegó pero el dinero no alcanzó las expectativas despertadas ya que las obras fueron plagiadas con rapidez al ser las series de gran interés para el público popular. En 1753 publica su libro acompañado de grabados ‘The line of Beauty’ (El análisis de la belleza), en el que defendía la expresividad del trazo curvo frente al sobrio neoclasicismo. Las series de Hogarth son satíricas y moralistas. Usaba sus pinturas para aleccionar al público en una variedad de diferentes temas. Uno de ellos era el casamiento por conveniencia, que suscitaba grandes debates en aquella época. El artista, con la serie ‘Casamiento à-la-mode’ se propuso ilustrar los peligros de los casamientos arreglados a partir de 6 pinturas. A través de la sátira y la ironía, con una historia bizarramente trágica, Hogarth nos muestra parte de sus creencias y su opinión respecto de los matrimonios por conveniencia. La serie, a pesar del trabajo y éxito del artista, no tuvo el recibimiento esperado y tuvo que ser vendida por pocas monedas…..En otras dos series –‘La calle de la cerveza’ y ‘La calle de la ginebra’ (1751), representa las desagradables consecuencias del alcoholismo, contrastando la feliz normalidad de los que beben cerveza inglesa, frente a los alcohólicos que se dedican a la ginebra….Se considera que ningún creador ha logrado definir un periodo de la historia británica de un modo tan impactante y perdurable como William Hogarth. La expresión ‘Hogarth age’ (era de Hogarth) se utiliza a menudo en Gran Bretaña para describir la primera mitad del siglo XVIII, al igual que el Londres de Hogarth ha pasado a definir la capital inglesa durante esa época…..Para todo el que necesite investigar sobre la cultura material de mediados del siglo XVIII, la obra de Hogarth es una fuente inapreciable de información: las calles, los interiores, la vestimenta, son mostrado sin ‘maquillaje’, con el realismo propio de una fotografía… Pero lo más apreciado es, sin duda, las referencias a la vida cotidiana del pueblo. La gran masa del pueblo no usaba pelucas (que eran muy caras), no usaban las casacas de seda bordadas ni se sentaban en sillones Chippendale ni bebían en jarras de plata. Ellos usaban su propio pelo, tal como estaba, bebían en vasos quizás rotos hace tiempo, y se vestían sencillamente. Y todo ello lo muestra Hogarrth…..Los últimos años de Hogarth serán de escasa actividad ya que ocupó diversos cargos honoríficos al ser nombrado en 1757 consejero y miembro honorario de la Academia Imperial Germánica y en junio de ese año es designado pintor superintendente de todas las obras de su majestad, cargos que disfrutó hasta su muerte en Chiswick, el 25 de octubre de 1764…..https://vestuarioescenico.wordpress.com/2012/07/23/la-pintura-satirica-william-hogarth/, por Diana Fernández);  También puede verse: (https://www.biografiasyvidas.com/biografia/h/hogarth.htm); (https://www.wikiart.org/es/william-hogarth); (https://www.nationalgallery.org.uk/artists/william-hogarth); (https://www.nationalgallery.org.uk/paintings/william-hogarth-marriage-a-la-mode-2-the-tete-a-tete); (https://www.britannica.com/biography/William-Hogarth); (https://library.princeton.edu/hogarth/biography); (http://www.odisea2008.com/2012/08/grabados-satiricos-de-william-hogarth.html); (https://www.pinterest.com/pedroruizdearb/william-hogarth-barroco-sat%C3%ADrico-ingl%C3%A9s-/); (https://trianarts.com/william-hogarth-la-satira-y-el-barroco/#sthash.oAtlurj8.dpbs); https://www.pinterest.com/pedroruizdearb/william-hogarth-barroco-sat%C3%ADrico-ingl%C3%A9s-/, por Pedro Ruiz de Arbulo).

Daumier (257) – “….Honoré Daumier. Francia, 1808–1879. Caricaturista, pintor, escultor, dibujante… Honoré Daumier fue uno de los artistas más importantes y más populares del realismo francés. Un realismo tan rebuscado, que incluso muestra mucho más que la realidad.Su mordacidad y sarcasmo, los múltiples matices de su obra, el retrato exagerado, su asombroso ojo para la crítica… Es por ello que su arte es inevitablemente social y de actualidad. Nacido en Marsella, Honoré Daumier se formó como dibujante según los principios de David y copiando obras maestras del Louvre, entre lo que le impactaron especialmente Rubens y Goya. También desarrolló una simpatía por la clases obrera y los distintos movimientos obreros que estaban naciendo. Siempre prefirió el dibujo y colaboró con su obra en diferentes revistas de actualidad política como La Caricature y Le Charivari. Desde ahí metió caña a los diferentes políticos de la época, denunció la corrupción de jueces y diputados, se rió de las escenas ridículas de la burguesía parisina y participó de luchas como la de la emancipación de las mujeres en 1848. Nadie escapó de la virulencia de su pluma. Precisamente por una caricatura del rey Luis FelipeDaumier fue a parar a prisión. Pero además de por caricaturista, Daumier destacó también por algunas pinturas de pequeño formato con la misma voluntad de denuncia. Sus cuadros parecen inacabados, con gran fuerza en el trazo, y sorprendente expresividad que podemos ver como precedentes de algunas corrientes expresionistas...... https://historia-arte.com/artistas/honore-daumier.....Durante los años entre 1841 y 1843, la revista Le Charivari publicó un conjunto de 50 litografías de Honoré Daumier bajo el título de Histoire ancienne. Las imágenes en el libro actualizaban temas clásicos como el enfrentamiento entre la tradición y lo moderno, además describe a los personajes de la época mediante connotaciones obscenas y provocaciones políticas. A medida que Honoré iba perdiendo la vista, dejaba la litografía para dedicarse más a la pintura, ejecutando en ella un trazo directo y poco retocado. En algún momento entre los años 1858 a 1860, fue despedido de la revista Le Charivari, pues en ese momento el director de esta consideraba sus dibujos muy subversivos. Al morir el director en 1863, es reintegrado nuevamente a la revista, para quienes publicó su última caricatura en 1872. La fama de caricaturista eclipsó sus pinturas, las cuales eran muy poco conocidas para el público, pese a ser expuestas en galerías de arte. Charles Baudelaire sería uno de los pocos que se percataría del talento que poseía Honoré Daumier, expresando que sólo existían dos personas a la par con Delacroix: una de ellas era Ingres, la otra Daumier, catalogándolo como uno de los hombres más importantes para el arte modern….. Su estilo para este momento ya había madurado: usaba esculturas, bustos de yeso o bronce para usar de modelos; plasma de manera magistral lo patético con masas oscuras acompañadas de contraste entre los colores fríos y cálidos, además del buen manejo del claroscuro. Características que influyeron en el desarrollo del expresionismo en el arte. Entre sus pinturas más representativas se encuentran: El molinero, su hijo y el burro (1849), La lavandera (1863), Don Quijote y Sancho Panza (1868), Pintor delante de Notre Dame (1834), Los jugadores de Ajedrez (1863), El vagón de tercera clase (1864) y El enfermo imaginario (1879). Hacia el año de 1865, Honoré Daumier sufre dificultades financieras, hecho que no pasa desapercibido por sus amigos Geoffroy Dechaume y Camille Corot, quienes lo convencen de aceptar el obsequio de una vivienda en Valmondois que había adquirido recientemente Corot. El gesto le brindó a Honoré unos cuantos años de reposo y tranquilidad. En el año de 1879 muere y un año después sus restos son exhumados para el trasladado al cementerio de Père-Lachaise, donde sería enterrado al lado de su amigo Corot….” (https://historia-biografia.com/honore-daumier/). También puede verse: (https://elpais.com/elpais/2008/10/15/album/1224052668_910215.html#foto_gal_7);(http://conelarteenlostalones.blogspot.com/2014/12/daumier-realismo-social-y-caricatura.html,   por Natalia Alonso Arduengo….Ver también apéndice abajo); (https://www.theartstory.org/artist/daumier-honore/artworks/); (https://www.pinterest.ca/vicriobo/dibujos-honor%C3%A9-daumier/); (http://www.theartwolf.com/exhibitions/daumier-caricature-cantor-es.htm); (https://www.pinterest.com.mx/hortensiasg/honore-daumier/); (https://www.madrimasd.org/blogs/HumoryCiencia/2011/10/12/129384); (https://www.artehistoria.com/en/node/71001).

Edward Cruikshank (257) – “…George Cruikshank [Notar que este personaje no fue encontrado por la investigación bajo el nombre de Edward….jjj] was born in September, 1792, the son of Isaac Cruikshank, a well-known illustrator and caricaturist. He was older than John Snow by 21 years, but still outlived him by two decades.  Cruikshank started his career at age 19 as a political cartoonist and proceeded until his late 20s and early 30s (see below), when he broadened his horizon and gained prominence as a book illustrator.  Most notable was his collaboration with Charles Dickens (1812-1870) as illustrator on a series of Dickens' books in the 1830s, 40s and 50s (see below). Cruikshank was concerned with sanitary reform.  After reading a critical report on the inadequacies of the Southwark Water Company, Cruikshank in 1832 drew a caricature of John Edwards, owner of the water establishment.  Edwards is portrayed as Neptune, crowned with a chamber pot, sitting on a water intake in the center of polluted River Thames.  In one hand he holds a three-headed staff  on which two cats and a rat are impaled.  In the other hand is a overflowing goblet of murky water.  Protestors are crying out, "Give us clean water" and "We shall all have the cholera" (see below). 

Later in the 1840s, Cruikshank became an enthusiastic supporter of the temperance movement, similar in views to John Snow.  He drew several illustrations, focusing on the ill-effects of excess alcohol. Portraying Cruikshank's depth of feeling towards alcohol were eight plates, created in 1847, labeled simply, The Bottle (see below). It is not clear if Cruikshank and John Snow knew one another, although likely by reputation.  George Cruikshank lived at 69-71 Amwell Street from 1824-49, before moving to 263 Hamstead Road in 1850 where he lived until his death in 1878….     (http://www.ph.ucla.edu/epi/snow/1859map/cruikshank_george_a2.html)....George Cruikshank was a foremost British book illustrator and satirist of the 19th century. Best known for his illustrations of Charles Dickens’ works, he produced detailed ink drawings that vividly captured everyday Victorian life while also skewering politicians and the royal family. For decades, he helped shape public opinion of the Tories, Whigs, and Radicals while championing British nationalist sentiments—sometimes through racist caricatures of foreign nations. Born on September 27, 1792 in London, England, his father, Isaac Cruikshank, was also a popular caricaturist while his brother Robert Isaac would also find acclaim as an illustrator. The younger Cruikshank wanted to study at the Royal Academy, but his father refused and instead employed him in his own studio, where he learned engraving and etching techniques. As a teen, Cruikshank began gaining popularity for a series of political caricatures he drew for the popular satirical magazine The Scourge, which helped launch the young artist’s career and eventually solidify his reputation as an important political voice alongside his contemporary James Gillray. Over the course of his career, Cruikshank would create tens of thousands of drawings and illustrate over 800 books, among them Dickens’ classic Oliver Twist. His prolific output continued despite a stroke that left his partially paralyzed. When the artist died at the age of 85 on February 1, 1878 in London, England, it was discovered he had father 11 illegitimate children with longtime mistress and former servant Adelaide Attree. His works remain housed in the collections of the British Museum of the Victoria and Albert Museum in London…..” (http://www.artnet.com/artists/george-cruikshank/).  También puede verse: (https://www.britannica.com/biography/George-Cruikshank); (https://www.invaluable.com/artist/cruikshank-george-kbxc2ucj7v/sold-at-auction-prices/); (http://www.darvillsrareprints.com/Cruikshank%20original%20etchings.htm); (http://www.artoftheprint.com/artistpages/cruikshank_george_monstrosities.htm).

Doré (257) –  “….Paul Gustave Doré (6 de enero de 1832- 23 de enero de 1883) Nació en Estrasburgo, Francia. Pintor, ilustrador y grabador, considerado uno de los más influyentes ilustradores de la segunda mitad del XIX, se destacan sus aportes en relación con la representación del mundo onírico. Su padre fue un ingeniero de caminos; desde pequeño Paul se sintió atraído por el arte, en especial por las figuras de cemento, desde entonces se interesó por la creación d dibujos, pinturas y otros; Doré estudio en el instituto Carlomagno de París; en 1847 conoce a Charles Philipon, Director del «Journal pour Rire», con solo 15 años tuvo la oportunidad de presentarle sus dibujos, Philipon le ayudo a introducir sus ilustraciones en el periódico que dirigía «Journal pour Rire», con la colaboración de este también publicó su primer álbum de litografías en el cual explora «Los Trabajos de Hércules». Doré continúo publicando semanalmente caricaturas en el «Journal pour Rire» hasta 1851.

Para el año 1853 creo algunas ilustraciones, basadas en obras de Lord Byron, también se interesó y creo arte en base al famoso cuento “El cuervo” de Edgar Allan Poe; en 1862 viajo a España, este contacto con el mundo de los viajes le inspiro para crear dibujos sobre crónicas de dibujos, estos están incluidos en la colección llamada “Le Tour du Monde”, a través de este viaje conoció el libro Don Quijote de la Mancha, de Miguel de Cervantes, extasiado por las aventuras del hidalgo publica algunas las ilustraciones sobre este en 1863, dos años después publica una nueva edición de la Biblia (1865), este trabajo  le da gran reconocimiento, motivo por el cual en base a este  realiza una exposición en Londres, la exposición tuvo tal éxito que poco tiempo después se inaugura la “Galería Doré”. Para finales de la década, en 1869 Doré viajo Londres, en donde trabajo con Jerrold Blanchard haciendo retratos de la ciudad, también firmo contrato de cinco años con la editorial Grant & Co, la cual la exigía vivir por lo menos tres meses al año en la cuidad, en 1872 publicó El libro London: A Pilgrimage, el cual contenía 180 grabados, fue publicado en 1872, estas ilustraciones llamaron la atención de diversos periódicos y artistas en Londres, sus ilustraciones aparecen en el Illustrated London News. Su trabajo ahondo sobre el mundo onírico o el mundo de los sueños, a través sus pinturas Doré interpretaba y expresaba sus más enigmáticos sueños y pensamientos, también trataba de retratar lo que pensaba o sustraía del libro que se encontraba ilustrando; Doré encontró diversos colaboradores entre los cuales se destacan Pannemaker y Pisan, estos dos utilizaron nuevas técnicas para grabar las ilustraciones del mismo…..Entre los trabajos más representativos se encuentran: sus xilografías de ilustraciones, en las que ahonda sobre de más de 90 libros, entre otros temas, de estos se resaltan las Oeuvres de François Rabelais (1854), Les Contes drolatiques, de Balzac, publicada el siguiente año (1855), la Divina Comedia de Dante (1861), Don Quijote de la Mancha, de Miguel de Cervantes publicada en 1863, entre otras; Su representación del Infierno de Dante le dio gran reconocimiento, puesto que hasta hoy en día se admira la manera en que el pintor interpreto la historia y creo una de las mejores representaciones del mundo del  infierno, dando vida al mundo de pesadillas, castigos y terrores relatado por Dante. Paul inspiro a la siguiente generación de pintores románticos quienes sentían  a misma atracción que el por el mundo onírico; Doré realizo una gran profusión de ilustraciones, la mayoría de estas en blanco y negro, en estas se representaban ángeles, demonios, pesadillas, la naturaleza en su bastedad, este con su forma de expresar emociones daba una particular profundidad al espacio que retrataba, hoy en día sus más aclamadas obras se exponen en Londres, en la Galería que lleva su apellido, la «Galería Doré»”…..

(https://historia-biografia.com/paul-gustave-dore/, Héctor Herrera). También puede verse:

(https://historia-arte.com/artistas/gustave-dore); (http://laroda.es/cervantino/actividades/historicodeactividades/0000009a060b92101/0000009a9e08fd605.htm); https://www.wikiart.org/es/gustave-dore); (https://www.biografiasyvidas.com/biografia/d/dore.htm); (http://www.todolibroantiguo.es/personajes-historicos/gustave-dore.html); (https://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/8326/Paul-Gustave%20Dore%20-%20Gustave%20Dore); (http://enciclopedia.us.es/index.php/Gustave_Dor%C3%A9).

Dostoievsky (256) – “….Fiódor Dostoyevski  nació el 11 de noviembre de 1821 en Moscú. En 1838 se trasladó con su hermano a San Petersburgo para ingresar en la Academia de Ingeniería Militar, donde se graduó como subteniente. Fue cuando comenzó su afición al juego, asunto que le trajo muchos problemas a lo largo de su vida. En 1839 su padre fue asesinado por uno de sus sirvientes y esta situación produjo una crisis nerviosa en el escritor, desarrollando así sus primeros síntomas epilépticos. Sin embargo, la herencia que le dejó su padre le sirvió para abandonar su carrera en el ejército y dedicarse a escribir. En 1845 publicó el éxito “Pobres gentes”, su primera novela. Dostoievski fue arrestado en 1849 por formar parte de un grupo de carácter liberal llamado Círculo Petrashevski. Se le acusó de conspirar contra el zar en las reuniones del grupo. Junto a Dostoievski, varios integrantes fueron condenados a muerte. No obstante en el último momento el autor vio conmutada su pena por cinco años de trabajos forzados en Siberia. Terminada su condena, Dostoyevski fundó la revista “Tiempo” junto a su hermano en 1859. Entre 1862 y 1863 realizó varios viajes por Europa y conoció a Polina Súslova, una joven estudiante con quien inició una relación, aunque ella terminó por abandonarlo. Durante su ausencia se prohibió “Tiempo”, debido a una publicación de carácter político. A ello se unió la muerte de su hermano, y Dostoievski se vio obligado a encargarse de su viuda y sus hijos. Esto le sumió en una profunda depresión que le llevó de nuevo al juego…..En 1865 comenzó a escribir “Crimen y Castigo” y dos años después se casó con la taquígrafa Anna Snítkina. Tuvieron cuatro hijos: Sonia, Liubov, Fiodor y Alexei; aunque la primera murió a los tres meses de nacer. Debido sobre todo a las adicciones de Dostoyevski, su familia no gozó nunca de una posición económica realmente holgada. Fiódor Dostoyevski murió en San Petersburgo el 9 de febrero del año 1881 a causa de una hemorragia pulmonar. En su lápida se podía leer: “En verdad, en verdad os digo que si el grano de trigo que cae en la tierra no muere, queda solo, pero si muere produce mucho fruto”, versículo de San Juan que también aparece en la que fue su última novela: “Los hermanos Karamázov”……(https://redhistoria.com/biografia-de-fiodor-dostoyevski/, por Noemí Álvarez)….. En sus libros, podemos ver que hay un enorme peso de la filosofía y la religión, lo mismo que del realismo y lo sobrenatural. Son, por lo tanto, libros de tremendos contrastes, que reflejan la misma existencia y pensamiento de Dostoievski y que firman otra característica de su trabajo: el exceso. La felicidad y la miseria, la alegría y la tristeza, la riqueza y la pobreza, son llevadas al extremo, llevando a lector a una montaña rusa emocional en la que reside gran parte del atractivo de su narrativa. Además, como en esta última analogía, el ritmo es frenético. La sucesión de los hechos en las obras del autor es vertiginosa. Los personajes no son presentados, sino que se presentan a sí mismos con sus acciones; los secundarios entran y salen limpiamente, sin florituras; y sus composiciones están repletas de bruscos giros inesperados, que nos da la apariencia de estar frente a un folletín de los de antaño. Es, por tanto, un autor de gran intensidad. La meticulosidad y el detalle psicológico de los personajes será ya un referente para todos los escritores posteriores, muchos de los cuáles no podrán lograr lo que el autor ruso: que los suyos parezcan tener una existencia propia. Más que simples creaciones de su mente, los protagonistas de Dostoievski parecen vivir aparte, como si él no fuera más que el narrador de la historia de otro. Y eso, amigo lector, es una de las cosas más atractivas que uno puede encontrar en una novela…..” https://blogs.herdereditorial.com/la-otra-h/2018/02/28/dostoievsky-y-la-literatura-como-paliativo/, por Jaime Fernández – Blanco Inclán). También puede verse: (https://loff.it/society/efemerides/fiodor-dostoievski-escritor-biografia-124876/); (https://www.biografiasyvidas.com/biografia/d/dostoievski.htm); (https://okdiario.com/curiosidades/dostoievski-biografia-breve-1458066); (https://www.quien.net/dostoievski.php); (http://www.lecturalia.com/autor/767/fiodor-dostoyevski); (https://www.alohacriticon.com/literatura/escritores/fiodor-fedor-dostoievski/); https://www.lavozdegalicia.es/noticia/lavozdelaescuela/2017/01/18/corazon-atormentado-fiodor-dostoyevski/0003_201701SE18P4991.htm

Apéndice:

DAUMIER: REALISMO SOCIAL Y CARICATURA POLÍTICA, por Natalia Alonso Arduengo

EN: http://conelarteenlostalones.blogspot.com/2014/12/daumier-realismo-social-y-caricatura.html

“….Artista políticamente comprometido, Honoré de Daumier (Marsella, 1808-Valmondois, 1879) concibió su obra como un instrumento de lucha social y apostó por un compromiso ético con la clase trabajadora con la intención de llegar a transformar la realidad que le circundaba. Daumier fue testigo de los movimientos obreros y proletarios que comenzaron a desarrollarse respaldados por las teorías de Marx y Engels (El Manifiesto Comunista data de 1848 y El Capital de Marx de 1867). En este contexto nació el Realismo, movimiento artístico y literario al que se adscribió la producción del artista francés. Esta tendencia surgió en Francia a partir de 1848, después de las revoluciones populares y como reacción a los ideales subjetivistas y las ansias de evasión románticos. La temática del Realismo partía del costumbrismo, inspirándose en los problemas de la sociedad de la época, buscando la representación objetiva y sin idealismos de la realidad. Características de este movimiento son obras como Los picapedreros (1845) de Courbet o El hombre de la azada (1850-1862) de Millet. Se trata de pinturas que reflejan la dureza de la vida campesina y muestran figuras monumentalizadas pero despersonalizadas, de rostros vulgares y facciones son genéricas. La versión escultórica de estos lienzos la aportó Meunier con obras como Mineros (1882), El segador o El pudelador….. De formación autodidacta, Daumier aprendió observando a los mejores artistas en el Museo del Louvre y copiando a maestros como Rubens o Rembrandt. Litógrafo, pintor y escultor destacó, como señaló Baudelaire, por su estilo dinámico y la libertad de su trazo. Lionello Venturi apuntó también la influencia beneficiosa que sobre él ejercieron Rembrandt y Goya, especialmente en la obra litográfica.  En su compromiso con lo social, Honoré fue un fiel observador de su entorno, un testigo del París de su época, de la vida cotidiana de la burguesía y del proletariado. Su obra pictórica toma como protagonistas a tipos humanos hasta entonces ignorados en la representación artística. Son gentes humildes, trabajadores anónimos. Es el caso de La lavandera (1860-1863) que va a lavar al Sena cargando con su hija y los fardos de ropa. La madre posee una monumentalidad heroica, reforzada por el juego de luces y sombras que realiza el artista. En su semblante se traduce el peso del trabajo pero se trata de una figura representada con dignidad a pesar de su humildad. La dureza de la vida de las clases sociales bajas también se observa en la serie de obras El vagón de tercera clase (1860-1864). Mujeres, hombres y niños de distintas edades viajan en incómodos coches de madera. Sus rostros reflejan el cansancio del día a día.     Daumier fue un artista políticamente comprometido. En las caricaturas que realizó supo traducir a la perfección su mirada satírica. Se inició en la práctica de este género en el año 1831, después de entrar en contacto con el director de La Caricature (1830-1835) Charles Philipon, republicano y antimonárquico. De creencias republicanas también, Honoré fue condenado en 1832 a seis meses de cárcel por representar al monarca Luis Felipe de Orleans como un gran Gargantúa (1831) grotesco y caricaturizado con cabeza en forma de pera. La inspiración se encontraba en el personaje de Gargantúa, un gigante glotón protagonista de la novela homónima de François Rabelais. La década de 1830 fue la época dorada de la caricatura francesa. Además de Daumier, destacaron nombres como Gavarni, Grandville y Monnier. Se desarrolló una intensa actividad crítica a través de la prensa mediante la caricatura y la ilustración humorística vinculada a la política y a la denuncia social. El historiador del arte Valeriano Bozal destacó la función de la misma como “espejo de lo cotidiano”. La caricatura fue analista de su tiempo y, como tal, entre los temas predilectos a tratar destacaron la Revolución francesa, la nobleza y el clero, Napoleón, la Restauración, el auge de los nacionalismos y las injusticias sociales. Comenzaron a realizarse mediante el grabado en madera a contrafibra. Más tarde, con el invento por parte de Alois Senelfer de la litografía, fue éste el que se convirtió en el procedimiento técnico predilecto por ser más económico y rápido. Daumier destacó por su maestría en la litografía, con sutiles gradaciones del gris al negro. Luego, tras la clausura de esta revista, continuó publicando en Le Charivari (1832-1837), periódico fundado también por Philipon, La década de 1830 fue la época dorada de la caricatura francesa. Además de Daumier, destacaron nombres como Gavarni, Grandville y Monnier. Se desarrolló una intensa actividad crítica a través de la prensa mediante la caricatura y la ilustración humorística vinculada a la política y a la denuncia social. El historiador del arte Valeriano Bozal destacó la función de la misma como “espejo de lo cotidiano”. La caricatura fue analista de su tiempo y, como tal, entre los temas predilectos a tratar destacaron la Revolución francesa, la nobleza y el clero, Napoleón, la Restauración, el auge de los nacionalismos y las injusticias sociales. Comenzaron a realizarse mediante el grabado en madera a contrafibra. Más tarde, con el invento por parte de Alois Senelfer de la litografía, fue éste el que se convirtió en el procedimiento técnico predilecto por ser más económico y rápido. Daumier destacó por su maestría en la litografía, con sutiles gradaciones del gris al negro.      Además de la sátira política, Honoré empleó la caricatura como método de denuncia social. En este sentido destaca la ilustración de la tragedia titulada Rue Transnonain (1834), surgida por la indignación de Daumier ante la injustificada masacre sufrida en una vivienda de París por una familia obrera durante la represión policial. Baudelaire realizó una magnífica descripción de esta escena y merece la pena recoger el pasaje: “Con motivo de la lamentable matanza de la calle Transnonain Daumier se reveló como un gran artista; el dibujo se conoce poco pues fue secuestrado y destruido. No es exactamente una caricatura, sino un relato de la trivial y terrible realidad. En una pobre y desangelada habitación, una vivienda de proletario, con muebles tristes y contados, el cuerpo desnudo de un obrero, en camisa, con gorro de algodón, yace boca arriba, tendido, piernas y brazos extendidos. Sin duda se produjo en la habitación una lucha violenta, un gran alboroto, pues las sillas están volcadas, así como la mesilla de noche y el orinal. Bajo el peso de su cadáver, el padre aplasta contra el suelo el cuerpo muerto de su pequeño hijo. En esta buhardilla sólo hay silencio y muerte.”  Para burlar la censura que perseguía su trabajo de manera constante, Daumier pasó de realizar dibujos de fuerte crítica política y social, a caricaturas satíricas costumbristas de tipos populares que apoyaban la política imperante: jueces, abogados, banqueros, financieros, comerciantes… Toda una galería de estereotipos que traducía los vicios, la hipocresía, el cinismo y las costumbres sociales de la clase media-alta. Además de litografías, realizó esculturas entre las que destacan un conjunto de bustos de terracota policromada que retratan de forma caricaturesca a políticos de su tiempo. Caracterizados por un modelado vigoroso de las formas, son obras que muestran gran potencia expresiva. Destaca en ellos la exageración de los rasgos fisionómicos originales de los retratados, de tal manera que rozan incluso lo monstruoso y lo grotesco. Este último fue un concepto estético sobre el que se teorizó en el siglo XIX y Baudelaire lo abordó en su ensayo De la esencia de la risa y en general de lo cómico en las artes plásticas (1855). Lo grotesco, denominado por el literato como “cómico absoluto”, sería el causante de una risa repentina.    Pintor de las clases populares e ilustrador satírico, Daumier fue, como sostuvo Henri Focillon, el “cronista de París”. Nada escapaba a su agudeza observadora. Su valía no llegó a ser reconocida del todo en vida y los últimos años pasó verdaderas dificultades económicas. Afortunadamente contó con la estima de Baudelaire quien, en Quelques caricaturistes français (1857), le señaló como artista destacado no sólo de la caricatura sino del arte moderno en general. Más tarde Champfleury publicó Histoire de la caricature moderne (1865), obra en la que se le incluyó como artista. Y ya en el siglo XX, el historiador del arte y crítico Lionello Venturi le llegó a definir como el “Miguel Ángel de la caricatura”…..”